李尔王故事梗概(李尔王最精彩的一幕剧本)

11月20日，铃木李和剧团的《李尔王》在沪首演，观众笑声不断。

因为有中日韩的演员，所以台词用不同的语言连接。韩国演员的《思密达》一出，观众一片欢腾。当康沃尔在挖格洛斯特的眼睛时意外受伤而死时，格洛斯特在埃德加伪装的指导下就地扑倒，笑声此起彼伏。

如果有观众后来进来看到这一幕，可能会有误入《威尼斯商人》演出的错觉。毕竟，《李尔王》是莎士比亚的四大悲剧之一，导演铃木并没有刻意将其改编成喜剧。

那么问题来了。谁把李尔王变成了喜剧？

走进剧院为了什么？

铃木·塔德希的《李尔王》很有趣。上演莎士比亚的戏剧，配乐用的是亨德尔和柴可夫斯基。服装和表演风格充满了传统的日本戏剧艺术。此外，铃木剧团的形体表演和舞台审美呈现出鲜明的特色。

然而，在演出结束后的问答环节，观众关心的问题是:中文字幕是否缺失、不完整？为什么不考虑用《全华班》的演员阵容？

作为问答主持人，上海戏剧学院教授顾用“庄严”一词来形容版的李尔王。但在表演过程中，观众报以笑声。

从观众的笑声来看，无论是语言还是剧情的倒错，本质上都是时间空错位语境的悬殊造成的。时代变了，词语和情景的意义也在迁移。小姐不再是同一个小姐，同志也不再是同一个老同志。看来要求悲剧还戴着古典面具已经来了。

更重要的问题是，观众为什么要进剧场？他们中有多少人已经通过了莎士比亚经典名著的水平，并充分准备了专业知识，如铃木训练法？或者，至少有一瞬间的深刻体验？

在《李尔王》的演出后谈话环节，铃木说，“字幕不是都打，在日本演出的时候，根本就没有字幕。”他直接建议观众事先看莎士比亚的《李尔王》，了解剧情后再回来。他甚至不在乎给观众一个铃木版李尔王的形象，因为他在乎的不是什么样的莎士比亚人物被呈现在舞台上，而是“我是如何通过莎士比亚训练演员的”

对于铃木来说，1984年首演的《李尔王》这位大师，10年后仍要在上海当代戏剧节的舞台上为观众讲解一些经典剧目ABC，这可能构成当晚最悲壮的情感片段。

是谁在逗观众笑？

同一个地方，不同的态度，背后都是各种各样的诉求。到了该安静的时候，周围的人喜出望外，可能会打扰到你。看到邻居投来的厌恶的冷冷的目光，很难不厌烦。但在剧场里，不同层次、不同境界、不同爱好的观众组成了一个共同的空房间，相互影响，甚至相互干扰。

在欢声笑语的场子里把板子打遍全场似乎太简单粗暴了——虽然铃木版的《李尔王》真的不是什么搞笑剧。但在疏松的土壤里，你无法长出任何妖娆的花朵。

在剧院里，只有少数观众能够解释铃木的舞台设置，并理解赤脚或全脚表演者与表演的关系。即使是读过《李尔王》原著，甚至知道剧情梗概的人，目测也不占多数。

回头看看，有过多少瞬间？在本土剧蓬勃发展的市场上，最容易理解的操作模式就是:花钱买热门网络小说的版权，改编成剧，找可能还没毕业的年轻演员，组建团队，打广告，邀请赞助，营销。如果做成了，有人来剧场，项目有收益，下一部剧就能请到更好的演员，更大的导演，雪球就越滚越大。

久而久之，票房排队长，影院上座率高。在新剧层出不穷的同时，时尚的表达和让人分心的负担也常常引起笑声。但是，越来越多的年轻观众因为觉得话剧毕竟和剧场不一样，有独特的体验，而步入剧场。他们不知道的是，所有的理想和艺术都躲在有利可图的高压线下，成为大规模生产的牺牲品。

当相当一部分观众——至少足够多的笑声响彻剧院——觉得这部剧只是一个没有深入研究的轻松回应时，怎么能指望他们为李尔王而悲伤呢？文化无可厚非，但卖家能吸引的永远只有买家。

《雷雨》有着不朽的内核，却逃不出衰老的语境。任何戏剧都是如此。与其问观众为什么不尊重艺术，不如想想艺术为什么不被尊重。

谁把李尔王变成了莎士比亚喜剧？有体制的问题，有市场的问题，自然也有受众的问题。也许关注大众是穿透这种交织关系的最恰当的方式。