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▲米勒原创播种者

米勒对自然和乡村生活有着特别深厚的感情。他起早贪黑，早上在田里干活，下午在黑暗的小房间里画画。他曾经说过，“无论如何，农民这个题材是最适合我的。”米勒在巴比松的第一部代表作是《播种者》，这也是米勒第一次被官方沙龙接受。1848年2月法国大革命爆发，工农等下层民众的反抗起了很大作用。在这种背景下，一向保守的官方沙龙对《播种者》的作者一反常态。也许这是因为米勒在这幅画中描绘了真实的时代个体，而不是他们之前的青睐。光荣的劳动

▲《拾穗者》1857年，江泽龙·米勒

3.5 x 111厘米，布面油画

巴黎奥赛博物馆收藏

让·弗朗索瓦·米勒的《拾穗者》创作于1857年，是一幅现实主义作品。画面很简单。三个农妇正弯腰捡麦穗。总的来说，《拾穗者》是一幅“运动”画。人物排列在不同的位置，做不同的动作。虽然是农民题材的作品，但我们能感受到画面带来的美好。米勒的整体构图严格按照黄金分割比例来安排，这是公认的最吸引人的比例。

《拾穗者》反映的是农民的疾苦，就像在富人的汪洋大海中扔了一块石头。它最珍贵的地方是真实记录生活，把真实的细节带入绘画。

米勒出生在一个农民家庭，但他从小就热爱绘画。为了练习绘画技巧，接触更广阔的世界，米勒去了巴黎。当时巴黎有很多画家为贵族工作，出现了很多贵族的肖像，这与米勒的艺术追求背道而驰。最后，他选择搬到巴比松村，在那里他画了《拾穗者》。

19世纪70年代以前，法国农村还处于封建宗法制度下。农民过着艰苦的生活，但富裕阶层却无动于衷。法国一家报纸的一篇文章曾写道:“这三位在阴郁的一天面前的拾穗者背后脱颖而出空。有农民暴动的刀枪和1793年的断头台。”

《拾荒者》有警示功能。太真实了，让人感到可怕的焦虑。

梵高崇拜米勒，曾说:“在米勒的作品中，现实主义的形象同时具有象征意义。”

▲梵高《夕阳下的播种者》，1888年

《夕阳下的播种者》属于文森特后期的画作。至于这部作品的色调，一如既往的继承了文森特后期作品的火热感，主色调是钴蓝色和橙色的对比。这太大胆了。是的，他在人们眼里一直是个不讲道理的人！他周围的人都害怕这个红头发的怪物。整幅画的对比色调的准确度要求很高，文森特在这一点上的准确度非常准确，整幅画呈现出明亮醒目的视觉效果。就是这样一个画家，把自己的画留给了整个艺术节，成了枷锁。这种影响在过去、现在和将来都震撼了人们。

从文森特的内心解读，这幅画有“收获季节”的寓意。在做画家的那些年里，他只得到弟弟西奥的支持，所以他内心渴望来自家人和外界的支持和认可。拓展视角，除了审美需求，在欣赏这部作品的同时，给人更多的是对遥远世界的遐想。这是否意味着文森特对未来充满期待？夕阳发出的光采用斑驳的笔触，在西山即将落山的时候，夕阳依然以完整的、光芒四射的状态出现，更加坚定地表达了文森特内心的呐喊——对生命的渴望！

热情，豪爽，大胆，是《夕阳下的播种者》的定义。或者说文森特对人物比例的概念没有其他画家那么深刻，但他带给我们的是另一种视觉的高端享受。要了解文森特，就要了解他的画，他的文字来自于他热情的自我和对艺术的热情。

▲米勒《晚钟》油画66x55.6cm。

1859年，现藏于巴黎奥赛博物馆。

看到这对农民夫妇在田里默默祈祷，我们似乎也听到了远处隐约可见的教堂传来的钟声:这“钟声”似乎越来越大，越传越远...也许是那对农民夫妇站在穿越地平线的田野里的剪影，让人想起庄严神圣的“十字架”，从而拉近了农民、教堂和看客的距离，加强了教堂钟楼的“声音”感应；也许是因为晚霞，农夫屏住呼吸和寂静大地的对比；可能是因为画家故意把人物和景物适当模糊了。不仅可以将人物、景物、教堂和从教堂传来的“钟声”融为一体，而且似乎观看者就是画中的人，画中的中间场景、从教堂传来的钟声和教堂钟楼也融为一体...

这种强烈的宗教情感，这种凝重神圣的宗教氛围，这种庄严肃穆、令人肃然起敬的宿命论色彩，以及一个安于贫穷和道德的基督徒形象，这种深邃悠远、悲壮的诗意境界，直指人心的精神魔力；如果你不是一个虔诚的基督徒，没有在宗教领域修炼到一定程度，没有深厚的文学艺术修养，没有巨大的精神投入和高超的绘画技巧，是很难创作出这样的杰作的。

这个外表粗犷朴实，甚至愚钝愚蠢，内心纯洁虔诚，温顺善良的农民形象，不仅体现了米勒对农民的深刻理解和深厚感情，也反映了19世纪下半叶艺术家强烈的民主意识和现实主义精神。

▲列宾在伏尔加河上的追踪者

《伏尔加河上的追踪者》(俄文名:бурлакнаволге，英文名:Volga River trackers)是俄罗斯批判现实主义画家伊利亚·埃菲莫维奇·列宾于1870年创作的。画中描绘了伏尔加河畔一群纤夫在压抑压抑的气氛中挣扎着舒展头发，反映了俄国纤夫的悲惨生活，寄托了画家对下层社会悲惨生活的同情，艺术地体现了作者的民主革命思想。

▲《赞省割麦女从田里归来》

瓦西里·格雷戈里耶维奇·比罗夫(1834-1882)

1874年，布面油画，25.8×65厘米，左下签名:1874年вперовъ，1939年收藏于莫斯科盖尔特泽。

梁赞省的《割麦女从田里归来》尺寸不大，但体现了艺术家在一些造型问题上的努力尝试。一个农夫的妻子在劳累了一天后从金色的田野回到家。这个主题与真实的农村生活直接相关。同时，“路”这一母题在俄罗斯艺术中非常流行，直接关系到人类生存、流浪、漂泊、人生道路等问题的普遍性话题。这幅画描绘了不同年龄的农妇。有些人静静地走着，有些人停下来沉思，倾听大地母亲的声音。比罗夫采用横向构图，肖像产生有规律的节奏，割麦子的女人行走在收割的谷物中，给人以缓慢而平稳的运动印象，使画面充满音乐旋律，令人想起俄罗斯民歌。(塔季扬娜·尤登科·伊娃)

▲《摘麦穗的女人》

莱昂·奥古斯丁·勒迈特(利奥·莱尔梅)

891帆布油画

莱昂·奥古斯丁·勒迈特(Leon Augustine Lermyte，法国，1844-1925)，作为19世纪最多产的艺术家之一，勒迈特的知名度在他创作这幅画时达到了顶峰。他对现实主义绘画的发展做出了重要贡献。与同时代的许多画家不同，勒米特从未放弃对绘画技法的追求，他在纸上的炭笔和凝胶彩画方面都取得了巨大的成就。

1890年，对官方艺术沙龙失望的勒迈特组织了一批志同道合的同事，成立了法国国家艺术家协会。《摘麦穗的女人》在协会第二届年度展览中展出，受到高度赞扬。

▲《圣彼得山的割麦人》

勒米特于1883年创作的法国帆布油画

7.80×97.20厘米

1880年后，这位画家展出了几幅描绘他家乡圣彼得雷山村民生活和工作的画作，并取得了巨大成功，其中包括这幅《圣彼得雷山的割麦人》。特别值得一提的是，勒迈特将同一个人物多次绘入作品，几幅画中的人脸完全可以辨认出来。这幅画中的割麦人是一位名叫卡什米·韩德的农民，他正在繁重的工作后休息，无视他旁边两个粗壮的农妇之间的谈话。

莱昂·奥古斯汀·勒米特(1844-1925)出生于法国艾纳省的皮卡迪，并在那里生活了20年。这也是他眷恋乡村生活的原因，他的作品几乎都是用来描写农耕的。1874年在法国沙龙成功之前，他往返于法国和英国之间，靠卖画为生。1880年后，他展出了几幅描绘家乡圣彼得雷山村民生活和工作的画作，取得了巨大的成功，其中包括这幅《圣彼得雷山的割麦人》。

▲《第二次收获》1879年杜普河

不仅是米勒，田园风光也是法国画家杜普赫的最爱。这种“第二次收获”，作者用后背构建起稳定的三角构图，向人们传达了一种坚定而永恒的信息。

▲《筛麦女》库尔贝131x167cm 1853

1848年，法国大革命爆发。库尔贝积极参加了法国大革命。在画布上，我开始创作描绘劳动人民的主题。30岁以后的十年是库尔贝创作的巅峰。他成功地塑造了一批工人的艺术形象，创作于1854年的《筛麦女人》就是其中之一。

穿红色马甲裙的年轻农妇是画中的主角。她背对观众，跪在地上的白布上。她盘着一个方便干活的发髻，露出修长婀娜的脖子，高高举起筛子。她的胳膊又圆又壮，露在外面的鞋底似乎在告诉我们，她不是那种不经过第二道门就出不了门的富家女。农妇没有装饰，却有着无比的健美。她身上的红裙更像是一面赞美劳动的旗帜，鼓舞着人们的心。

画面左侧，另一位戴着头巾、穿着灰色连衣裙的农妇坐在白布上，小心翼翼地挑选着麦粒。图中右边的男孩打开了木柜，正在寻找着什么。可能是按照妈妈的指示，我帮忙做家务。小男孩穿着绿色格子衬衫，胖乎乎的脸，一脸幸福的样子。可以说，库尔贝对于整幅画的简约是非常精准的。他没有夸大贫穷和艰苦的工作，而是使他的日常工作繁荣而有趣。

他这样解释他的画:“艺术应该放在较低的层次。”当然，他口中的“低级”并不是指绘画技法，而是指画家的眼光要聚焦于底层劳动人民的朴素之美，奉承上层阶级的时代已经一去不复返了。

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