抽象画派(抽象画派代表人物和作品)

在很多当代艺术展厅里，很多人都会遇到一些“尴尬”的艺术品，往往是歪歪扭扭的，有看不懂的涂鸦，有方块。这个时候，很多人并没有完全理解这些奇怪的画，很多人坚信这些画应该是五岁小孩画的。

也许是这样，但也许不是。如果要证明那些线条和你我画的不一样，其实是一件相当困难的事情，因为我们永远无法对抽象艺术做出准确客观的分析，但是一个没有接受过正规美术教育的人，要画出那些抽象艺术的画，其实是非常困难的。

因为两者有很多不同之处，所以他们线条的流畅性、构图、造型都会有很大的不同，也正是因为他们的专业素养比我们先进得多，千千成千上万的普通人才蜂拥到现代美术馆欣赏瓦西里·康定斯基的抽象画。

他们的画使用了一些奇怪的形状和一些抽象的线条，让我们在他的画中品味出某种意义和价值。我们可能直到现在也没有完全理解他们是如何达到这个目的的，他们所代表的抽象艺术流派始终是一个难以解释的谜。

那么抽象艺术到底是什么？

简单地说，抽象艺术是指将任何自然的、真实的物体的描述简化或完全抽象的艺术。抽象艺术是相对于具象艺术而言的，也可以称为非具象艺术，它的特点是缺少具象的描绘，而是通过人们共同的情感来表达概念。其内容的美感是艺术家运用造型、线条、色彩等一定的形式或结构来表达审美观念。

中国古代没有抽象艺术，但中国很多传统艺术门类都有欣赏抽象美的传统。那些欣赏抽象美的行为、心理和人物，常见于书法、戏剧、园林、家居等文化中。古人欣赏中国书法的笔墨线条，园林中太湖石、大理石等类似抽象形式的美感，都源于中国道家哲学。这种审美取向与道家所提倡的虚空并无二致。

唐代书法巅峰时期创作的《野草》艺术，以几乎面目全非的笔法，成为中国艺术中抽象美的代表。古代画家对神韵的追求和对异的推崇，表现了古代文人对类似抽象艺术的审美趣味，苏轼对绘画的推崇可谓妙不可言。元画家崇尚易笔法，不求雷同。他们的理论主张显示了中国古代视觉艺术对极端写实技巧的追求，转而在表达上追求神韵和意味。

中国古代作家也很早就注意到了对意义的追求。例如，魏晋南北朝时期的著名诗人陶渊明在他的诗中说:

这里面是有真义的，我都忘了辩解了。

他关于言意区分的思考，其实是指诗人在写诗的时候，并不能完全表达自己的意思，只需要把自己的意思包含在里面，让后人去猜测和想象。这种对艺术处理不透露太多的做法，可以算是中国画空白处理的一个先例。

但是，中国古代毕竟是抽象艺术，没有真正的抽象艺术。作为西方现代社会发展的产物，抽象艺术的出现是现代艺术中一个非常突出的现象，其最突出的代表是西方抽象艺术作品，始于19世纪末，确立于20世纪初，盛行于20世纪40年代。

这期间世界经历了第二次世界大战，美苏冷战中的工业科技发展否定了传统思维，冲击了人们固有的认识和价值观。新哲学和新美学思潮解放了人类，也造成了人们思想的混乱、分裂和矛盾。在革命的旗帜下，艺术失去了不变的标准。在这一时期，抽象艺术反映了人们极其复杂而丰富的思想感情和深刻的哲学思考。它表现了关系的扭曲，失去了关系的平衡，采用了荒诞的暗示，抽象的语言表达了他们的精神创伤和变态的心理，以及他们对现实生活、个人主义和虚无主义的消极悲观和失望。

抽象艺术作为立体主义和未来主义的延续和发展，是20世纪西方现代艺术逻辑发展的必然趋势。抽象艺术诞生于第一次世界大战前的俄罗斯。主要代表画家有俄罗斯的康定斯基、荷兰的蒙德里安、俄罗斯的马莱维克、美国的波洛克、瑞士的保罗·克里、罗马尼亚的布朗库西、法国的阿尔普、英国的亨利·摩尔等人。

俄罗斯的康定斯基是一位具有直觉和精神自由的艺术家。他是抽象画的代表人物。在《论艺术的精神》、《论形式的问题》、《论具象艺术》、《点线面》等作品中，他强调绘画的自律色彩和形式的独立表现价值，主张画家用精神体验通过非具象的形式传达世界的内在声音。他的艺术理论涉及抽象的形式法则和美感，以及绘画的形式法则和美感

然而，他的理论也是片面的。他夸大了抽象艺术和抽象形式的意义，他对抽象艺术的实践开创了西方抽象主义的先河。

康定斯基的主要代表作品有《光骑士》《红黄蓝》《即兴30号》它的几何抽象画在一个黑色的正方形中间，简单明了的几何形状构成了画面中的一切。画中的现实场景被变成了纯几何形式的符号，这些几何符号的构图讲述了画面的主体和内容。

1917年，荷兰出现了以风格杂志为主的几何抽象派，因此得名。它的创始人是杜斯伯格和蒙德里安。De stijl拒绝使用任何具体的元素，主张用纯粹几何形式的抽象线条来表达纯粹的精神。在抽象和简化的口号下，德·斯蒂格尔提倡教学精神。从后印象派到立体派再到蒙德里安的抽象创作，最初在平面上增加了横线和竖线，它们组合成直角或长方形，原色红、黄、蓝、灰排列在中间。之后作品中线条和方块的数量逐渐减少，灰色被排除在外，画面的原色也减少到一两种，如百老汇爵士、红色和黑色。

与康定斯基同时代的另一位俄罗斯抽象画家马列维奇开创了抽象艺术中的纯情至上主义，至上主义是一种致力于描绘具体客观对象、主观反应和视觉体验的艺术思潮。1913年，他创作了白底黑方块，这表明他把感觉作为造型艺术中的最高概念。为了表现非物象，马莱维克发明了一种极其简化的几何模型，即正方形。他的几何抽象绘画奠定了几何抽象的理论基础，代表作《至上主义:白底白字》影响了俄罗斯构成主义、包豪斯设计教学和现代建筑中的国际风格。

20世纪50年代，美国抽象表现主义兴起，作为一种艺术思潮，没有统一的风格特征。他在艺术抽象性、直接目的性、潜意识自我表现等方面继承了从梵高到抽象现实主义的探索成果。他强调行动者的自由和无目的性，将创作行为提升到重要地位，其中创作者的行为是艺术传播媒介的因素。

受中国书法和印度艺术影响的表现主义画家托比，用抽象的构图，用色彩表达空的深邃宽广感。波洛克是美国抽象表现艺术中最有影响力的画家，以其动作绘画而闻名。受印度沙画的启发，他在画中用全身的动作来表达无法控制的意识动作，为后来的西方活动家开创了先河。

抽象不仅表现在绘画上，也表现在雕塑上。罗马尼亚艺术家康斯坦丁·布朗库西和法国的阿尔普都擅长制作抽象雕塑。英国的亨利·摩尔拓宽了雕塑的概念，以母性、人性、头部为主题，使他的雕塑具有了人性的意义和抽象形式的美感，显示出强大的生命力和精神力量。他的技法特点是对原始雕塑的执着，超越了时代空，魅力十足。

因此，抽象主义摆脱了物体原本相似的外观，而诉诸抽象的线条和色彩符号来表达艺术家的感受，这可以直接影响观众对艺术的整体感受，而不需要任何具体的形象。它具有西方现代主义社会鲜明的艺术特征，在艺术史上具有重要意义。

然而，抽象艺术的晦涩在于它缺乏明确的含义，每个读者都有自己对图片的理解，这大大增强了图片的信息容量。想象空室在抽象艺术领域如此广阔，这就是他的魅力所在。

通过梳理西方20世纪抽象艺术的发展，我们发现西方绘画中抽象形式的演变是对古典绘画形式合理化的反思和改变。

我们都知道古希腊人对平衡、对称、和谐等形式规则有着特殊的兴趣。文艺复兴时期，许多画家运用科学手段探索美的形式，并诉诸清晰的数学关系。皮耶罗·德拉·弗朗切斯卡写了《论五种正确的人体》,其数据精确得像一本数学专著。通过将科学的纯粹理性与艺术再现的诗意崇高融为一体，他获得了文艺复兴大师们梦寐以求的东西。

古希腊和文艺复兴时期的画家据此认为，要获得理想的形象，就必须使形象的比例符合理想的数比关系，或者说使画面构图符合理想的几何顺序。这样，画家必然会主观地、有目的地去概括、减少甚至改变具体的意象及其关系。因此，理性介入绘画，在一定程度上异化和背离了现实的图像。

但现代绘画的抽象性背离了这一理性原则。因此，自19世纪下半叶以来，西方画家用来规范画面形象和构图的不再是数量关系，而是形式特征的经验主义心理感受。在画家的笔下，“形式理性”逐渐被“感性”渗透。塞尚在他的《塞尚夫人》中特意错开了背景墙，以达到与偏左倾斜的人体的平衡。

在这里，当抽象和具体发生冲突时，他显然保护了前者。在这一时期，西方绘画逐渐开始消除形式上理性的冰冷，同时又将感情渗透其中，从而丰富和发展了形式上理性化的抽象形式，主要表现在色彩和线条的情绪化。

色彩的情绪化是指用来表达某种直观感受和情绪的色彩的配置和组合，而不是模仿西方绘画中具体形象的真实。色彩的情感化不是色彩本身，而是它编织出来表达情感的基调。印象派画家尽力捕捉色彩的瞬间变化，用色彩画出绚烂的色调，营造气氛，表达画家对自然发自内心的热爱。此后，画家们通过在画面上编织色调来进一步表达内心的感受。他们尽力在色调上加强一些颜色，以表达强烈的感情和兴奋。所以“增色”是肌理色调的基本手段。看看梵高的《向日葵》，你就知道他用了多么明亮强烈的色彩来表达对生活的热爱。

线条的情感化，是指在西方绘画中，线条不仅仅是简单地勾勒出自然物的形状，而主要是用来表达主体的内心感受。康定斯基说，“线来源于运动，它来源于对点本身所隐藏的绝对静止的破坏。”(康定斯基《论艺术精神》)线条是动人的，有方向性的。线的方向不同可以产生不同的感觉，比如横线感觉安静，上升线感觉快乐，下降线感觉忧郁等。另外，不同形状的线条也能给人不同的感觉，几何曲线性感有弹性，波浪线随着情绪起伏不稳定等等。从张力上来看，台词更给力。比如在德·库宁的《女性身体》中，那根粗而有弹性的线，就有很大的潜力使其内在的张力超过极致，使画面形成了潜在的张力感。

因此，我们可以说，抽象艺术的本质是什么？就是这个形式。在抽象艺术中，形式是主题，因为它的形式体现了它最内在的本质，是一种永恒的艺术，抽象艺术不是简单的艺术，如果没有对艺术内在本质的洞察，没有排除一切的艺术家与艺术的联系，那么抽象艺术是不可能的。抽象艺术不受任何既定方向的支配。因此，对于当代意识形态而言，抽象艺术意味着艺术的完全自由和终极解放。